Coro Nox

Antonio José Martínez Palacios (1902–1936), conocido artísticamente como Antonio José, fue un brillante compositor burgalés cuya prometedora carrera fue trágicamente truncada a sus 33 años tras ser fusilado durante la Guerra Civil Española. Discípulo indirecto de Manuel de Falla, su música destaca por una fusión muy personal entre la tradición popular castellana y las corrientes impresionistas y modernistas europeas de principios del siglo XX.

“Romance de Rosa Fresca” es una de sus obras corales más representativas y emocionantes, y la última que pudo componer y estrenar. La pieza pone música a un texto anónimo medieval, típicamente clasificado dentro de la tradición del romancero viejo, y que ha sido célebremente atribuido a Juan Rodríguez del Padrón en algunas recopilaciones. El poema es un diálogo tenso entre una dama y un caballero que la pretende, cargado de doble sentido, orgullo herido y deseo contenido, dejando a interpretación del oyente quien cuenta con la razón en el intercambio.

Antonio José capta esta tensión dramática con una música expresiva, llena de contrastes: desde la dulzura melismática que representa la voz femenina hasta los momentos de intensidad rítmica y armónica que subrayan el conflicto. La obra es también un ejemplo del interés del compositor por revitalizar el folclore español sin caer en el costumbrismo, sino elevándolo a un lenguaje artístico refinado y moderno.

“Romance de Rosa Fresca” será la obra obligada del Concurso Nacional de Corales Antonio José, que tendrá lugar el 18 de octubre en Burgos, y en el cual participará el Coro Nox.

“El Amor y la Locura” es una obra coral compuesta por Alejandro Yagüe en 2005, por encargo del Concurso Internacional de Tolosa, donde fue pieza obligada. Inspirada en la fábula homónima atribuida a Jean de La Fontaine, la obra explora el contraste y la afinidad entre dos fuerzas vitales: el amor y la locura. Yagüe (1947-2019), nacido en Palacios de la Sierra, Burgos, fue un referente de la música coral contemporánea española, siempre interesado en fusionar elementos tradicionales con un lenguaje expresivo y moderno.

Desde su origen, la pieza destaca por su tratamiento coral imaginativo: emplea ritmos incisivos, juegos tímbricos y contrastes dinámicos que escenifican el vaivén narrativo y emocional del texto. La obra alterna momentos de lirismo melódico con pasajes de humor y dramatismo, subrayando la interacción simbólica de los dos protagonistas alegóricos. “El Amor y la Locura” se ha interpretado en numerosos certámenes y festivales, consolidándose como una de las creaciones corales más emblemáticas de Yagüe, tanto por su fuerza expresiva como por la riqueza de su estructura formal.

El compositor, consciente del poder evocador de la música coral, concibió esta partitura como un encuentro entre tradición literaria y exploración sonora, en la que cada coro puede encontrar su propio equilibrio entre drama y belleza contenida.

Zane Randall Stroope (1953) es un compositor y director de coro estadounidense, reconocido por su escritura expresiva y su dominio de la sonoridad coral contemporánea. Formado en la University of Nebraska y en la University of Colorado, ha desarrollado una importante labor docente y compositiva, con obras interpretadas por coros de todo el mundo. Su estilo combina intensidad emocional con un lenguaje moderno, de gran riqueza armónica y sentido narrativo.

The Conversion of Saul (2001) es una de sus obras más emblemáticas. Inspirada en el pasaje bíblico del Libro de los Hechos (Hechos 9:1-22), describe la transformación espiritual de Saulo de Tarso —perseguidor de los cristianos— en San Pablo, tras su encuentro con la luz divina en el camino a Damasco. Stroope traduce ese acontecimiento interior en una partitura de enorme fuerza dramática: contrastes extremos de dinámica, clímax corales casi violentos y súbitas transiciones hacia la calma y la introspección.

A través de estos recursos, la música recrea la lucha entre la resistencia humana y la revelación espiritual, hasta desembocar en un final luminoso, símbolo de redención y entrega. Es una obra que exige del coro no solo precisión técnica, sino también una profunda implicación emocional.

Kęstutis Daugirdas (1967) es un compositor, director y educador lituano, especialmente conocido en el ámbito de la música coral contemporánea. Su obra se inscribe dentro de la rica tradición coral de los países bálticos, pero incorpora un enfoque personal que combina influencias del minimalismo, la espiritualidad y la música antigua. Daugirdas ha desarrollado un lenguaje musical claro y expresivo, muy adecuado para conjuntos vocales tanto profesionales como amateurs.

“Plaudite Psallite”, cuyo título en latín se traduce como Aplaudid, Cantad, es una obra festiva y enérgica que remite al espíritu de celebración de los antiguos motetes religiosos. El texto —una exhortación al júbilo y la música como alabanza— se refleja en la escritura coral a través de ritmos vivos, imitaciones entre las voces y un sentido de movimiento constante. La pieza combina el rigor contrapuntístico con momentos de gran expresividad, creando un ambiente luminoso y ceremonial.

Es una obra especialmente agradecida para el oyente, con un lenguaje directo pero refinado, que celebra la comunión entre música, alegría y espiritualidad.

“Denn er hat seinen Engeln” es una obra coral del compositor alemán Felix Mendelssohn. Esta pieza es un motete basado en el Salmo 91:11-12, que habla de la protección divina a través de los ángeles. Con su armonización rica y melodías expresivas, Mendelssohn evoca con un ritmo pausado consuelo y esperanza. Gracias a su capacidad para conmover a los oyentes, destaca dentro del repertorio sacro para coro.

Felix Mendelssohn, nacido en 1809 en Hamburgo, Alemania, fue un compositor, pianista y director de orquesta del periodo romántico. A lo largo de su vida, compuso una amplia variedad de obras, incluyendo sinfonías, conciertos, música de cámara y obras corales. Su música se caracteriza por su elegancia, claridad y profundidad emocional.

Samuel Sebastian Wesley (Londres, 1810 – Gloucester, 1876) fue uno de los compositores y organistas ingleses más influyentes del siglo XIX, nieto del fundador del metodismo, John Wesley, e hijo del también músico Samuel Wesley. Considerado una figura decisiva en la renovación de la música eclesiástica anglicana, Wesley combinó la tradición coral inglesa con una sensibilidad romántica, marcada por el contrapunto heredado de Bach y una expresividad profundamente espiritual.

“Thou wilt keep him in perfect peace” (1850) es uno de sus himnos corales más emblemáticos. Basado en textos bíblicos de Isaías 26:3 y los Salmos, fue concebido como un motete meditativo para coro mixto y órgano. Su lenguaje armónico sereno y la fluidez de sus líneas vocales capturan el ideal espiritual del compositor: la búsqueda de quietud interior a través de la fe.

La pieza encarna el estilo maduro de Wesley, donde la sencillez melódica se une a un refinado sentido del color armónico. Con una textura coral equilibrada y un acompañamiento discreto, el compositor logra un ambiente de calma y consuelo que ha asegurado a la obra un lugar destacado en el repertorio de las catedrales inglesas hasta la actualidad.

Judith Bingham (Reino Unido, 1952) es una compositora y cantante británica reconocida por su escritura coral profundamente expresiva y por su habilidad para entrelazar lo espiritual con lo humano contemporáneo. Su música combina espiritualidad, color armónico y textura refinada, fruto de su experiencia como soprano en el BBC Singers y de una sólida formación en la Royal Academy of Music.

“The Darkness is no Darkness” (2006) es una fantasía coral inspirada en la anterior obra, “Thou wilt keep him in perfect peace” de Samuel Sebastian Wesley. Es una obra concebida para coro mixto y órgano, donde Bingham reelabora materiales del himno victoriano para transformarlos en una meditación moderna sobre la luz y la fe.

La compositora describe la pieza como una suerte de “canción de amor espiritual”, que evoluciona desde la quietud contemplativa hasta una intensidad luminosa. En “The Darkness is no Darkness”, la superposición de armonías y los graduales crescendos evocan el tránsito del alma desde la sombra hacia la revelación —una respuesta musical contemporánea a la serenidad victoriana de Wesley, reinterpretada con un lenguaje emotivo y místico.

Nana Forte (Zagorje ob Savi, Eslovenia, 1981) es una de las compositoras corales más destacadas de su generación, reconocida por su lenguaje armónico refinado y su visión espiritual del sonido. Formada en la Academia de Música de Ljubljana con Marko Mihevc y posteriormente en Dresde y Berlín, su trayectoria se caracteriza por una exploración constante de la voz humana como instrumento emocional y arquitectónico.

“O Oriens” (2009) forma parte de su ciclo de antífonas inspirado en los textos litúrgicos del Adviento, los “O Antiphons”, donde cada pieza gira en torno a una invocación mesiánica. Esta obra, escrita para coro a capela, se basa en la iluminación progresiva del sonido: la oscuridad inicial se transforma lentamente en un resplandor coral denso y homogéneo, símbolo del amanecer espiritual al que alude el texto.

Con su característico uso de texturas superpuestas y sonoridades suspendidas, Forte logra en la obra un clima de introspección y espera. La pieza combina misticismo medieval y armonía contemporánea, reflejando la fusión entre tradición litúrgica y sensibilidad moderna que define el estilo de la compositora.

Fanny Hensel (1805–1847), nacida Mendelssohn, fue una pianista y compositora alemana de extraordinaria sensibilidad, representante del Romanticismo temprano y hermana del célebre Felix Mendelssohn. Pese a las limitaciones impuestas a las mujeres de su tiempo, desarrolló una obra que abarca más de 450 composiciones, entre ellas ciclos de canciones, piezas pianísticas y obras corales de gran refinamiento.

“Schweigend sinkt die Nacht hernieder” (1846) es una de sus últimas creaciones corales, escrita para doble coro mixto a cappella (SATB/SATB) sobre un texto de su esposo, el pintor y poeta Wilhelm Hensel. La obra pertenece al grupo de los Gartenlieder, una serie de piezas concebidas originalmente para reuniones musicales en su residencia de Berlín.

En esta partitura, Fanny logra plasmar toda la serenidad y el misterio del anochecer mediante un lenguaje armónico luminoso y una polifonía de textura transparente. Las imitaciones suaves entre voces y el tratamiento imitativo evocan el silencio y la quietud que caen con la noche, convirtiendo la obra en una elegante meditación coral sobre el paso del día hacia el reposo.

Johannes Brahms (1833-1897) fue un más que conocido compositor, pianista y director de orquesta alemán, considerado una de las figuras más importantes del Romanticismo musical. Nacido en Hamburgo en una familia modesta y rodeado de música desde pequeño, Brahms desarrolló una profunda maestría formal combinada con una intensa expresividad emocional, situándose como heredero y continuador de las tradiciones clásicas de Bach, Beethoven y Mozart, pero con un lenguaje propio y apasionado.

Nos encontramos con “All meine Herzgedanken”, Op. 62 nº 5, que forma parte de un ciclo de siete canciones para coro mixto compuestas en 1874, en el periodo de madurez artística de Brahms, cuando ya se había asentado en Viena y se había consolidado como una figura dominante en el panorama musical europeo. Esta pieza refleja la capacidad de Brahms para combinar la estructura rigurosa del contrapunto con la profundidad poética y romántica. El texto desarrolla el tema de la añoranza de un alma que mantiene sus pensamientos siempre con su ser amado, transmitido magistralmente a través de una textura coral íntima y modulaciones expresivas.

A destacar de la obra, su delicadeza sonora, donde las voces dialogan con gran sensibilidad, evocando tanto el sentimiento personal como el colectivo en un contexto coral. Así, Brahms logra un equilibrio perfecto entre la tradición coral alemana y la emotividad romántica, dejando una pieza que sigue siendo un referente del repertorio coral romántico.

“Ack, ack om det vore dag” es una popular canción folclórica tradicional de Skåne, en el sur de Suecia, que ha sido notablemente arreglada por Per Ekedahl (Suecia, 1964), un reconocido arreglista sueco especializado en música coral y folclórica. La versión de Ekedahl para coro femenino o mixto destaca por su frescura y vitalidad, manteniendo el espíritu festivo y rústico del original al tiempo que añade un refinamiento coral contemporáneo que realza la expresividad melódica de la melodía popular.

La obra ha sido interpretada en diversos certámenes corales y conciertos, siendo valorada por su capacidad de transmitir la energía alegre y nostálgica de la cultura popular sueca con un tratamiento vocal dinámico y colorido. La partitura está disponible para diferentes formaciones corales y permite variaciones de final, lo que la hace versátil para distintos contextos interpretativos.

Per Ekedahl se ha dedicado a revitalizar y adaptar canciones tradicionales suecas al repertorio coral moderno, fusionando autenticidad popular con técnicas corales actuales, lo que ha contribuido a que piezas como “Ack, ack om det vore dag” mantengan vigencia y renovado interés en la escena coral internacional.

Joseph Rheinberger (1839-1901) fue un compositor, organista y pedagogo nacido en Vaduz (Liechtenstein) y activo principalmente en Alemania, donde desarrolló una brillante carrera como profesor en el Conservatorio de Múnich. Hombre de profunda formación clásica, supo conjugar la herencia del contrapunto bachiano con la sensibilidad armónica del Romanticismo alemán. Su producción abarca sinfonías, obras para órgano, música de cámara y abundante repertorio coral, en el que alcanzó una particular maestría por la pureza de su escritura y su sentido espiritual.

Abendlied (“Canto vespertino”) es una de sus composiciones corales más conocidas y apreciadas. Escrita originalmente en 1855, cuando Rheinberger tenía solo 15 años, y revisada más tarde por el propio autor, la pieza toma como texto un versículo del Evangelio de Lucas: “Bleib bei uns, denn es will Abend werden” (“Quédate con nosotros, porque atardece”). Este sencillo ruego, de profunda carga simbólica, se convierte en una súplica musical de paz y recogimiento. La serenidad del movimiento armónico y la pureza del contrapunto confieren a la obra un tono casi intemporal, en el que se entrelazan la devoción religiosa y la melancolía del crepúsculo.

Sebastián Iradier (Lanciego, 1809 – Vitoria, 1865) fue un compositor español fundamental en la popularización de la habanera, género que supo adaptar y difundir tras su estancia en Cuba. Inició su formación musical en Vitoria, donde fue organista y ejerció en diversas parroquias antes de trasladarse a Madrid, donde llegó a ejercer como profesor de canto, para perfeccionar sus estudios, desarrollando además una vida profesional en París, donde se relacionó con las principales figuras musicales y artísticas del siglo XIX, y dejando huella de forma que, su obra “El arreglito”, fuese utilizada por Bizet como base de la célebre habanera de la ópera “Carmen”.

“La Paloma” es quizá la habanera más universalmente reconocida, compuesta por Iradier alrededor de 1860, tras su visita a Cuba. Como figura relevante del Romanticismo español, supo captar el espíritu mestizo entre Europa y América que caracteriza a este género de ritmo lento y aire nostálgico.

Inspirada en la tradición cubana y el ambiente cosmopolita de los salones del siglo XIX, “La Paloma” evoca el mensaje de un marino a su amada, transmitido a través de una paloma mensajera, símbolo de esperanza y amor en la distancia. La partitura original fue registrada en Madrid como “canción americana con acompañamiento de piano”. 

El éxito de “La Paloma” fue inmediato y ha perdurado por más de siglo y medio, siendo interpretada y apropiada culturalmente por países tan diversos como Alemania, México, Cuba y Hawaii. Su melodía, sencilla pero cargada de emoción, mantiene vivo el espíritu del Romanticismo y el diálogo entre dos mundos que Iradier supo plasmar con delicadeza y sofisticación.